(2010, Metal Blade)

Ho avuto sempre un debole per loro, mi sono piaciuti tutti i loro dischi, ho difeso la loro performance prima dei Neurosis a Senigallia perché sapevo che potevano fare di meglio. Tre anni fa ho anche adorato e osannato “Precambrian”, che nonostante sia un po’ calato con gli anni reputo ancora un signor album.  Ancora, ho sempre apprezzato la loro struttura come “collettivo”, come entità aperta a chiunque volesse provare a partecipare. Alla lunga però, a mio parere, questa scelta non ha fatto altro che nuocere al progetto, perché gli ha impedito una stabilità, una continuità, ma soprattutto un’evoluzione comune. Evoluzione che è palesemente venuta a mancare in “Heliocentric”.

Riflettendo a posteriori, si possono anche individuare le premesse di questo passo falso, perché questo album è la naturale involuzione di “Precambrian”. Nel precedente lavoro, benché la pomposità strumentale lambisse il confine dell’auto-referenzialità, c’era un ottimo connubio tra violenza tecnica e melodia, mai stucchevole. Ci hanno riprovato, dando più spazio alla componente melodica, ma non ci sono riusciti. Probabilmente Staps ha ingaggiato il nuovo cantante perché si cimenta nelle clean vocals quanto nel growl; il fatto è che però in entrambe le tecniche raggiunge risultati parziali.  E ciò che vale per la voce è estendibile a tutto il resto: qualcosa di buono c’è ma ti ritrovi molto spesso con le braccia a terra e con una siringa ad aspirare il latte alle ginocchia (vi sfido a non avere  tali effetti collaterali di fronte a un brano come “Ptolemy Was Wrong”). Bocciato, bocciatissimo. Spero si riprendano con “Anthropocentric”, anche se a questo punto la vedo buia.

Tracklist:

1.  Shamayim
2.  Firmament
3.  The First Commandment Of The Luminaries
4.  Ptolemy Was Wrong
5.  Metaphysics Of The Hangman
6.  Catharsis Of A Heretic
7.  Swallowed By The Earth
8.  Epiphany
9.  The Origin Of Species
10.  The Origin Of God

(2010, Byelobog)

Finalmente Kristian Larssøn  “Varg” Vikernes torna dopo 11 anni di silenzio. Anni trascorsi in carcere per ben noti motivi che hanno fatto parlare di lui molto di più della sua musica. Però è la musica l’ambito in cui ci concentreremo in questa sede, evitando di lanciarci nell’ennesimo tentativo di scrivere un trattato di criminologia, di fare discorsi da bar, di sparare giudizi sul carattere di Varg o sulle sue idee politiche.

Dicevamo, il ritorno dopo 11 anni, dopo capolavori come “Det som engang var “, “Hvis lyset tar oss” e “Filosofem”. Ed è proprio da quest’ultimo che si potrebbe partire per descrivere le prime tracce di Belus, poiché “Belus’ død” (notare l’assonanza) e soprattutto “Glemselens elv” (senza dubbio il brano migliore dell’album) sono il naturale sequel del celeberrimo disco del 1996: per il suono freddo e distante, per i riff taglienti ripetuti allo stremo che hanno fatto scuola a tantissime band contemporanee. Perché è Burzum, lo è da chilometri di distanza, e ciò non può che emozionare chi tanto ha adorato la scena norvegese degli anni ’90 che quasi solo Varg riesce a far rivivere a quasi due decenni di distanza. A onor del vero va detto che nel suo caso, perlomeno per quanto riguarda questi capitoli, non si può parlare totalmente di old school, perché stiamo scrivendo di un personaggio che durante l’apice di notorietà e creatività della scena, già destrutturava il genere e ci sperimentava su, rallentando e dilatando il tutto, inserendoci altri elementi come l’elettronica, gettando le basi di quello che si sta iniziando a chiamare post-black metal. Ma questa è un’altra storia.

Dopo una prima parte, come detto, filosofemeggiante, Varg ci spiazza con “Kaimadalthas’ Nedstigning”, un calderone tra raw ed elettronica coi bussi, in cui appare anche un’inedita voce pulita; pezzo che ha un qualcosa di abbastanza comico (ma non glielo direi mai in faccia). A spazzare via i sorrisi ci pensa però “Sverddans”, cavalcata (questa sì) old-school senza tregua, assolo gelido compreso. La nostalgia della Norvegia degli anni ’90 prosegue alla grande con “Keliohesten” e “Morgenrøde”, quest’ultima ottimo esempio di interpretazione burzumiana del glorioso decennio in questione. E alla fine “Belus’ Tilbakekomst (Konklusjon)”, glaciale e ridondante epilogo del più che gradito ritorno di un artista che ha fatto tantissimo per il black metal, un’ulteriore dimostrazione di classe cristallina. Bentornato Varg, ci sei mancato.

Tracklist:

1. Leukes renkespill (Introduksjon)
2. Belus’ død
3. Glemselens elv
4. Kaimadalthas’ nedstigning
5. Sverddans
6. Keliohesten
7. Morgenrøde
8. Belus’ tilbakekomst (Konklusjon)

(2009, Post-RBMM)

“The black arts of psychedelia”: definizione  non mia, ci mancherebbe, ma la più giusta per definire i finnici Dark Buddha Rising. Una psichedelia, appunto, inserita in un contesto pesantissimo di sludge doom maligno e inquietante, miscela che i nostri ci avevano già proposto col già ottimo “Ritual IX”, datato 2008.

Una disarmante maturità compositiva avvolge questo album, fatto di brani lunghissimi e snervanti, mai però banali. Proprio quando pensi che un riff abbia girato troppe volte (benché sistematicamente arricchito man mano con sorprendente varietà di strumentazione) , eccoti lo stacco improvviso, o il crescendo, o l’intermezzo imprevedibile. Brani destrutturati ma con fondamenta anti-sismiche, questi di “Entheomorphosis”; tante trame pazientemente strascicate ma pronte ad esplodere da un momento all’altro, con una voce che non appare molto ma quando lo fa lascia un lacerante segno.

Inevitabilmente nostalgici nel loro lato più psichedelico, sorprendentemente innovativi nelle mescolanze, non paragonabili a gruppi in particolare. Sforzandosi, però, si potrebbe quasi definirli come i Tool che suonano gli Om. Già, proprio i Tool: fa strano evocarli in un contesto come questo ma ci si sentono eccome. Abbiamo trovato il gruppo che può mettere d’accordo i più accaniti toolebani e i doomsters più zozzoni? Molto probabile.

Tracklist:

1.Transperson I
2.Transperson II
3.Transcent
4.Nog Uash’Tem

(2010, E1 music)

A tre anni dal poderoso “Death is this communion” torna la band capitanata da Matt Pike, e lo fa con uno “Snakes for the divine” che –diciamolo fin da subito- non è del tutto all’altezza delle aspettative. Sarà lo scomodo confronto col disco precedente, o l’avanzamento dell’età dei nostri, o il restare infognati in un suono che non ha più molto da dire, o l’inflazione della nostalgia dell’heavy metal anni ’80 (“Crack the skye” docet), non so. Sta di fatto che questo album scorre via troppo indolore per i miei gusti: me l’aspettavo più sporco e cattivo, è come se si fossero fatti la doccia e tagliati le barbe. Non va bene.

La title-track è probabilmente l’emblema del disco: un attacco che fa molto ben sperare, seguito da un bel riffone cattivo, ma che lascia già trapelare la pecca più grande (oltre all’inguardabile copertina stile Manowar), cioè – mi ripeto, lo so – la pulizia del suono. Se ci metti poi lo stucchevole assolo e l’altrettanto skippabile rallentamento, eccoli tutti insieme i difetti di “Snakes for the divine”, a cui vanno sommati un pizzico di ripetitività e  anche qualche ritornello che puzza di melodico, e “melodico” e “High on fire” non stanno bene insieme per quanto mi riguarda. Fosse stato solo il termine “puzza”, quello sì.

Detto ciò, a costo di incappare in una sorta di ossimoro, il disco si fa ascoltare volentieri: va bene, “pecca” di manierismo, ma questi il loro (anche se purtroppo non più sporco come prima) lavoro lo sanno fare eccome, stiamo comunque parlando di una sorta di istituzione del metal degli ’00, il progetto più cattivo nato dallo scioglimento degli Dei Sleep. E infatti, oltre ad un ottimo “Fire flood and plague” (dalla durata comunque eccessiva), il brano di punta è quello più doom, cioè “Bastard Samurai”, sporco, polveroso e senza fronzoli. Come dovrebbero essere gli High on Fire insomma.

Tracklist:

1.Snakes for the Divine
2.Frost Hammer
3.Bastard Samurai
4.Ghost Neck
5.The Path
6.Fire, Flood & Plague
7.How Dark We Pray
8.Holy Flames of the Fire Spitter

(2008, Equilibrium, Audioglobe)

Dopo un eccellente lavoro quale “Standards of Triumph”, gli Arditi (nome ripreso dalle nostre unità speciali impiegate durante la Grande Guerra), duo svedese formato da Henry Möller dei Puissance e Martin Björkman degli Algaion, hanno stampato, l’anno scorso, la loro nuova opera dall’eloquente titolo “Omne Ensis Impera”. Il disco segue perfettamente la linea tracciata dai lavori precedenti: suoni corposi e lugubri, melodie decadenti, toni epici e tamburi marziali, sono queste le caratteristiche principali dei loro brani, per un industrial/martial/neoclassic di grande emotività.

Le nove tracce che compongono il disco sono caratterizzate da un’ imponente forza evocativa, capace di richiamare alla mente scenari apocalittici di guerra, eserciti in marcia verso il nemico, cataste di morti, distruzione e rovine. Sebbene il metodo di strutturazione dei brani sia estremamente circoscritto alle sonorità marziali (“Perseverance is all”, “Profound truths” “Sons of god”), a quelle oscure e rarefatte (“Decisive war”) o epiche ed impetuose (“Onwards!), Möller e Björkman riescono nel non facile compito di saper dare ampio respiro alle loro composizioni, sempre compatte e sapientemente costruite, senza mai cadere, in sostanza, nel ripetitivo. Il senso del sacrificio, la glorificazione dell’ eroismo e l’esaltazione della guerra sono le tematiche espresse da “Omne Ensis Impera”, principi che costituiscono il caposaldo della loro filosofia, e che si riscontrano come elementi di supporto in tutti i loro lavori.

Dal momento che i grandi esponenti dell’ industrial/martial/neofolk, i “Der Blutharsch”, hanno abbandonato il loro vecchio stile in favore di un rockettino psichedelico per sempliciotti, gli Arditi hanno tutte le carte in regola per prendere il posto lasciato dal caro Julius.
Il disco è stato masterizzato da Nordvargr dei Toroidh (ma anche dei terribili MZ. 412), il quale ha partecipato anche agli arrangiamenti di due pezzi, ricreando così, in piccola misura, un sodalizio già creatosi con il precedente “United in Blood”.

Tracklist:

1. Omne Ensis Impera
2. Der Angriff geht weiter
3. Decisive War
4. Perserverance Is All
5. Profound Truths
6. Sons of God
7. Onwards!
8. Cladem Nescimus
9. Endkampf

(2009, Trust No One)

Lungo la scia di odio lasciata dai Kongh, con l’ultimo, sorprendente, “Shadow Of The Shapeless”, si pongono anche questi Switchblade. Anch’ essi svedesi con formazione a tre (chitarra – basso – batteria), accasatisi presso la Trust No One Records.
Se da una parte, i Kongh preferiscono condire le bordate “doomy” con soluzioni progressive e / o metal,  dall’altra, gli Switchblade, premono ancor di più sul lato squisitamente mortifero: 3 le canzoni, con minutaggi epici, ed una staticità da far impallidire le più blasonate realtà funeral doom.
Tra un rintocco e l’altro, il silenzio ed il rilascio delle corde prende il sopravvento, avvolgendo di vuoti cosmici le monumentali progressioni black post doom, dove la produzione di Karl Daniel Linden (e mastering a cura di Magnus Lindberg) esalta ogni singola vibrazione di chitarra e basso.
Mentre le “harsh” vocals di Anders Steen ed il primitivo e funereo drumming di Tim Bertilsson tingono ancor più di nero questa ecatombe sonora.
Immaginatevi un mix rallentato all’inverosimile tra Unearthly Trance, Khanate, Floor e Moss. Uno sfiancante tour de force post-doom in slow motion.
Apocalittico.

Tracklist:

1. Part I
2. Part II
3. Part III

(2009, Southern Lord)

Che il nostro O’Malley sia in forma smagliante lo si può riscontrare nella qualità delle ultime uscite dei suoi numerosi progetti (KTL e Æthenor sugli scudi). Non mancava che la ciliegina sulla torta, un nuovo album dei Sunn O))). L’ultimo full-length “Black One” e il successivo EP “Oracle” sembravano un punto di non ritorno per il suono dei sacerdoti del rumore, un pur ottimo insistere nelle solite soluzioni a base di drones massacranti che sguazzavano in un mare di inquietudine. Album strepitosi, ma i nostri potevano e dovevano fare meglio, pretendevamo un’evoluzione. La nuova linfa per O’Malley e soci arriva con “Dømkirke”: un passaggio fondamentale, un’esperienza che ha ispirato loro almeno quanto ha emozionato noi, anticamera del capolavoro che è “Monoliths & Dimensions”. Mai titolo fu più azzeccato. Il monolite sonoro striscia solennemente in svariate dimensioni, moltiplicandosi, scomponendosi e ricomponendosi. Ti travolge, ti risolleva, ti trascina nel baratro e ti riporta alla luce.

Oltre alle collaborazioni “in famiglia” di Dylan Carlson e Oren Ambarchi, la lista degli ospiti in questo disco è particolarmente lunga, stavolta serviva di più: archi, fiati, elettronica, forse anche semplicemente idee, opinioni,  influenze, percorsi. Jazz? Anche, ma non solo; andiamo per ordine.

Si parte con “Aghartha”, ideale per ripassare il suono delle ultime due uscite in studio dei Sunn O))) e come mezzo di trasporto per sbatterci nelle successive dimensioni. Le invocations (come le chiamano loro) del sempre più insostituibile Attila fanno accapponare la pelle, le frequenze del massacro di chitarre e bassi irrompono prepotentemente nelle nostre impotenti casse toraciche. Sfuriate di piano e archi si incuneano, liquide e sfuggevoli, andando inevitabilmente ad erodere il blocco che inizia a scricchiolare, nelle crepe si inseriscono i fiati, Attila proclama, tutto si frantuma, tutto diventa liquido e scorre, scorre, finché non si dissolve evaporando dopo diciassette intensi minuti.    Un suggestivo e diabolico coro femminile viene spezzato da un tuono di chitarra. “Big Church [megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért]” è iniziata, la ricomposizione del monolite è in atto in un’altra dimensione. Il suddetto coro ne scandisce la rinascita, le campane la acclamano, Attila la narra. Un crescendo travolgente, inquietante, solenne, la grande chiesa si riempie di cupa venerazione. Ma il ringenerato monolite fugge, alle sue spalle si chiude pesantemente l’enorme portale, soffia la polvere. Il suo viaggio inizia con “Hunting & Gathering (Cydonia)”. Torna alle sue origini, come a voler essere sicuro di lasciarle. Saluta “White two”, “Black one” e “Dømkirke”, ma li abbandona, la sua destinazione è “Alice”.

La calma iniziale è effimera. Il percorso verso “Alice” è pieno di ostacoli. Vigono inquietudine, fastidio, paura, ansia, ma si può e si deve raggiungere il traguardo. Il cammino pessimista e opprimente di chitarre e bassi procede parallelo a quello di archi e fiati, che incalzano sempre più ottimisti e speranzosi.  Pian piano vi è consapevolezza del fatto che “Alice” è vicina, che arrivarci è possibile, e soprattutto che esiste. Gli amplificatori gradualmente si spengono, il tratto finale è percorso quasi silenziosamente, il monolite si scompone per l’ultima volta ma diventa un’accecante luce. Una speranza c’è.

Tracklist:

1. Aghartha
2. Big Church (Megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért)
3. Hunting & Gathering (Cydonia)
4. Alice

Pubblicato in: ..........RECENSIONI.........., 2009, Ambient, Avantgarde, Daniele Felicetti, Drone, Jazz, MUSICA, Southern Lord, Sunn O))) ]]> http://baronedelmale.wordpress.com/2009/10/23/sunn-o-monoliths-dimensions/feed/ 3 aperitivista disc_4098 http://baronedelmale.wordpress.com/2009/10/23/gnaw-their-tongues-all-the-dread-magnificence-of-perversity/ http://baronedelmale.wordpress.com/2009/10/23/gnaw-their-tongues-all-the-dread-magnificence-of-perversity/#comments Fri, 23 Oct 2009 12:28:58 +0000 aperitivista http://baronedelmale.com/?p=2101 ]]>

(2009, Crucial Blast)

“All the Dread Magnificence of Perversity” è frutto della folle mente dell’iperattivo Mories, dall’Olanda. Dopo i già validi dischi precedenti a nome Gnaw Their Tongues (soprattutto “An Epiphanic Vomiting of Blood”), quest’album rappresenta un’importante evoluzione per il progetto, in cui il nostro riesce a circoscrivere l’atmosfera in un avvolgente vortice diabolico, malato e oscuro. Il disco è un’orrorifica opera d’arte contemporanea, senza tempo e senza spazio. Il lato sadico della plurimillenaria esistenza del genere umano può essere qui concentrato, frullato e sparato impietosamente nelle nostre orecchie.

Una letale miscela di dark ambient , drone doom, marziali accordi di tastiere prese a pugni rigorosamente su accordi minori , industrial, noise, e un’immancabile vena black metal. Le dosi sono perfette, e lo è anche il risultato. “My orifices await ravaging” fa capire subito l’andazzo: «ti rovino la vita», sembra dire, tra rumori metallici e urla disperate.  Ma non è ancora niente, il peggio deve ancora arrivare, già da “Verbrennt und Verflucht”. Poi arriva “Broken Fingers Point Upwards in Vain” e non si riesce più a far caso ai titoli: o ti precipiti nervosamente sul tasto off, o chiudi gli occhi e arrivi alla fine, pur sapendo che la via di fuga apparirà solo dopo più di un’ora (eh si, è un bel tomo). Ti è rimasto un barlume di ottimismo? Sbagli, la conclusiva “A Promise of Revenge Whispered From Stitched Lips” svuoterà il tuo bicchiere mezzo pieno.

Sadismo, ferocia, inquietudine, nichilismo: nella migliore delle ipotesi sono queste le sensazioni che si provano durante un accurato ascolto di questo disco.  Ti lascia malconcio, a brandelli, è una mattanza musicale, un massacro, la colonna sonora di un’efferata strage all’arma bianca, il perfetto sottofondo per un’esecuzione tramite sedia elettrica, un coltellaccio arrugginito che recide un arto. È sangue, litri di sangue, ovunque.

Tracklist:

1. My Orifices Await Ravaging
2. Verbrennt und Verflucht
3. Broken Fingers Point Upwards in Vain
4. The Stench of Dead Horses On My Breath and the Vile of Existence in My Hands
5. l’Ange qui Annonce la Fin du Temps
6. Gazing At Me Through Tears of Urine
7. Rife With Deep Teeth Marks
8. All the Dread Magnificence of Perversity
9. The Gnostic Ritual Consumption of Semen As Embodiment of Wounds Teared in the Soul

Dove finiscono i sadici giochi di Funny Games iniziano i giochi di potere de La Pianista. Dove dei perfetti sconosciuti usavano violenza psicologica e fisica su di una ignara famiglia, qui i rapporti che legano vittima e carnefice sono più comuni e ordinari, come quello di una madre con la figlia, di un insegnante con i suoi allievi, di una donna con il suo amante. Haneke esplora senza esitazione questi legami cominciando dalla protagonista e da sua madre.

Lei è Erika, insegnante di piano in un rinomato conservatorio. Intuiamo subito quanto la madre sia possessiva e ossessiva nei suoi confronti, nel controllarle la vita (possiamo solo immaginare da quanto tempo), nel reprimerla. Un rapporto morboso si amore/odio troppo radicato per poter essere reciso. In conservatorio Erika è un insegnante severa, ferisce i suoi studenti con le sue parole e a volte non solo con quelle. Fuori dalle mura domestiche o del luogo di lavoro, lontano dallo sguardo della madre e dei suoi studenti, la donna abbandona la sua compostezza e si lascia andare alle sue personali perversioni che vanno dal semplice voyerismo, al masochismo. Ma saranno soprattutto le attenzioni che rivolgerà verso di lei un giovane studente a farle cedere tutte le inibizioni e a coinvolgerla in un pericoloso gioco succube/padrone le cui parti si scambieranno in maniera pericolosa.

Che Haneke piaccia o meno, non gli si può negare la straordinaria capacità di entrare nella vita di persone apparentemente comuni e, con una precisione chirurgica, ne elimina strato dopo strato fino a raggiungere la parte più profonda e nascosta. Le sue “vittime” forse non a caso, appartengono sempre ad un ceto medio/alto, la cui facciata patinata e apparentemente perfetta viene ribaltata da, e con, una violenza spesso invisibile ma ugualmente disturbante e insostenibile, la stessa violenza con la quale Erika si auto infligge ferite sul corpo. La Pianista è un film di Haneke e lo si percepisce in ogni inquadratura, in ogni primo piano dove la splendida Isabelle Uppert trasmette tutto il suo personaggio in completo silenzio, con una recitazione totalmente “fisica”. La Pianista è un film che i detrattori di Haneke odiano e odieranno, mentre non lascerà indifferenti tutti gli estimatori del geniale regista.

Matteo “Weltall” Soi

Tra tutte le formazioni che suonano progressive strumentale di derivazione “post” i tedeschi Long Distance Calling sembrano i più dotati. Superano in scioltezza anche gli attualmente rammolliti Pelican, una volta grandi promesse del genere da cui attendiamo delucidazioni col prossimo full-length. Fatti fuori senza troppe difficoltà anche gli americani Russian Circles, soporiferi ai limiti del sopportabile, i teutonici, posto ora, fanno intorno a loro terra bruciata. Le composizioni sono sì lunghe, ma le articolazioni e l’ipotassi sviluppata tramite un fitto sistema di raccordi rende ognuno dei solchi di “Avoid The Light” un buon esempio di come si possa suonare – va bene derivativi – con una gran dose di personalità e bravura. Inutile dire che gente come Isis e Mogwai hanno insegnato parecchio al quintetto di Münster. Anche i Pelican in verità, ma i nostri sono abilissimi nel rielaborare con decisi spolverate di farina proveniente dal loro sacco, riuscendo a far convivere umori diversi in uno stesso corpus musicale senza offenderne gli equilibri, creando un amalgama che scorre in maniera magmatica, senza battute d’arresto o cali di tensione. I cenni ambientali dell’incipit di “I Know You, Stanley Migram” potrebbero piacere agli MGR di Mike Gallagher degli Isis, nonostante poi il brano prenderà una piega decisamente più ruspante. Non solo l’universo “post” affascina i Long Distance Calling, anche l’avant-metal di estrazione scandinava fa capolino senza poi nascondersi troppo: in “Apparition” c’è qualcosa che sta a metà tra Sòlstafir e Arcturus. Arpeggi in stasi motorie, successivi ispessimenti di un muro di suono mai eccessivamente muscolare e metallico, ma dall’impatto di certo non secondario, i sei brani di “Avoid The Light” non peccano in dinamicità e precisione negli arrangiamenti. La ciliegina sulla torta è il cameo di Jonas Renske dei Katatonia che, con la sua voce sofferta e suadente, tinteggia di umbratile malinconia la bellissima “The Nearing Grave”, valore aggiunto del disco, senza alcun dubbio. Prova che mette in evidenza le qualità di una formazione in crescita, che ha ancora qualcosa da limare ed un’ulteriore ampliamento dello spettro stilistico da intraprendere, ma in un momento di stagnazione come quello che sta attraversando gran parte del mondo post-core et similia, fa un gran piacere essere alle prese con lavori di questo tipo.

Tracklist:
1. Apparition
2. Black Paper Plans
3. 359
4. I Know You, Stanley Migram
5. The Nearing Grave
6. Sundown Highway

Marco Giarratana

Pubblicato in: ..........RECENSIONI.........., 2009, Long Distance Calling, Marco Giarratana, MUSICA, Post-hardcore, Post-rock, Progressive, Superball Music, Uncategorized ]]> http://baronedelmale.wordpress.com/2009/06/30/long-distance-calling-avoid-the-light/feed/ 0 mimhe Long Distance Calling